Yellow submarine (1969) - The Beatles

Puntuación: 6+

Mejor tema: Hey bulldog

Tracklist

01. Yellow submarine

02. Only a northen song

03. All together now

04. Hey bulldog

05. It's all too much

06. All you need is love

Este híbrido es el soundtrack de la película homónima. Digo híbrido porque sólo tiene 4 canciones nuevas de los Beatles. El resto son 2 canciones ya aparecidas y viñetas de música clásica un poco "rara" de George Martin que no comentaré porque no estoy capacitado para ello. Los 2 temas que ya habían aparecido son la sobrevalorada Yellow Submarine, y el himno All You Need Is Love. Ahora, no es que los temas inéditos sean una maravilla que te hagan salir ya a comprar el disco. All Together Now es una canción de Paul que debe ser de las canciones menos pretenciosas y hechas más "en joda" de los Beatles. La letra es de un programa tipo Hi-5 o Lazy Town, o peor, de Dora la Exploradora. Es una canción para niños con una melodía tonta y una letra tonta. De las canciones más livianas que escuché en mi vida. Huelga decir que no es algo genial, pero es disfrutable, hay que tomarla como lo que es, una simple canción de diversión. George aporta sus dos temas más psicodélicos. Only A Northern Song es la mejor, no es brillante pero sí es muy buena con un muy buen órgano tipo iglesia, una gran performance vocal y una buena melodía. It's All Too Much es inferior, pero también es disfrutable por su estribillo que recién aparece al final y sus arreglos. Estas dos canciones están traspasadas, llenas, plagadas de cotillón psicodélico. Zumbidos, Trompetas, ruidos extraños y demás, lo cual a veces lo hace realmente cansador, pero se pueden disfrutar en su cierta medida. El verdadero clásico de este disco es Hey Bulldog, un recio hard-rock a la Cream que empieza con un sensacional riff de piano, antes de que entre la melodía filosa con esos geniales "You can talk to me" para devenir en el fantástico estribillo. Sólo este tema podría justificar el gasto de $60 (!) en su compra (realmente odio que hayan remasterizado los discos de los Beatles, le agregan $20 por un video documental de mierda), aunque tampoco lo recomiendo. Lo mejor es bajarte los temas por Internet. En fin, un disco que no aporta mucho pero tampoco lastima, un disco aceptable, un 6+.

Aquelarre (1972) - Aquelarre

Puntuación: 8-

Mejor tema: Movimiento

Tracklist

01. Canto

02. Yo seré el animal, vos serás mi dueño

03. Aventura en el árbol

04. Jugador, campos para luchar

05. Cantemos tu nombre

06. Movimiento

  Almendra se separa. Edelmiro emprende Color humano, Luis Alberto Pescado rabioso y Emilio del Guercio junto con Rodolfo García, Aquelarre. Mientras los otros dos grupos se dedican a hacer blues con más complejidad que la habitual o a, simplemente, hacer hard rock con tintes psicodélicos, Aquelarre emprende una propuesta interesante: rock progresivo, blues y algún elemento del pop, todo esto con un clavicordio rabioso, una guitarra muy distorsionada (no por nada a Starc le llaman “Bola de ruido”) y una base sólida, sin demasiados cambios desde la última grabación de Almendra.
  Hay unas cuantas anécdotas interesantes de Héctor para ser contadas. Una de ellas es, por ejemplo, que cuando él era todavía un don Nadie e iba con su guitarra a los bares, intentaba tocar pero como esos lugares estaba lleno de “estrellas” del rock de aquel momento, no daban lugar a que los novatos tocaran. Starc dice que era si no fuera por Pappo “estaría manejando taxis”. El Carpo, que era por entonces muy reconocido, hizo pasar al escenario a Bola de ruido e hizo que las estrellitas se queden boquiabiertas (una de las personas que no lo dejaban tocar, dicen –estamos hablando de la época de Almendra- era el mismo Emilio del Guercio). Otra es que el verdadero debut del grupo fue en el primer Buenos Aires rock, que tocaron todos en la misma agrupación pero todavía sin un nombre definido, y así hay más. Pero queremos hablar de los temas.

  Canto desde el fondo de las ruinas (o simplemente Canto) empieza con la guitarra distorsionada de Starc como protagonista ejecutando un genial riff. Las melodías, ese “¡No,no puede ser./No, no, no”, y el solo rápido son elementos que terminan de convencerme para dejar a este tema entre los highlights. El teclado se escucha bastante, pero en esta canción no es demasiado relevante.

  La calidad general disminuye bastante con el tema más pop del disco, Yo seré animal, vos serás mi dueño. Las melodías son pintorescas, los coros son lindos y los intermedios con la guitarra punteando son entretenidos, ¿¡pero porqué tan largo!? Las ideas se extienden mucho y la canción termina resultando aburrida.

  Aventura en el árbol es uno de los mejores temas del disco. Con todo el blues encima, comienza el punteo de Starc y una melodía de voz lenta y casi fúnebre. Pero como en todo blues zapado en alguna parte, lo mejor es la improvisación: al principio, Héctor improvisa lenta y tranquilamente, intercalándose con el teclado; hasta que llega el bajo de Emilio para dar un riff en el que se va sumando cada vez más volumen. González Neira toca como un maestro hasta que la guitarra explota en uno de los mejores y más sentimentales solos del disco. Los coros del estribillo dan por terminado el tema, pero no todo termina ahí. No entiendo por qué, nunca logré comprenderlo, pero cuando las voces quedan suspendidas, entran la guitarra y el teclado haciendo un riff totalmente desubicado y ajeno a cualquier elemento del tema. Vaya a saber qué se les habrá cruzado por la cabeza como para hacer eso.

  Un blues menos extenso pero tan bueno como el anterior llamado Jugador, campos para luchar se acerca con su genial melodía y su llevadero riff. La guitarra de Starc, nuevamente, se luce como ningún instrumento lo hace en el genial intermedio improvisado.

  Aparentemente lo pseudo-pop no es lo indicado para Aquelarre. En el pastoral Cantemos tu nombre suenan coros pacíficos, guitarras acústicas y melodías hermosas. ¿Pero cuál es el problema de esta canción? El mismo de Yo seré animal…: la repetición de las ideas musicales. ¡No se puede hacer un tema de 5 minutos y medio con sólo dos melodías que encima son así de calmas! Lo mejor, tal vez, sea cuando aparece la limpia guitarra eléctrica a puntear improvisadamente, al final.

  Ok, si no nos habíamos quedado conformes antes, escuchen Movimiento. ¡Este si que es un tema! Es una perfecta combinación entre riffs perfectos, melodías urbanas, guitarras distorsionadas, clavicordios desenfrenados y otras guitarras que suenan tirando pequeños punteos cargadísimos de wah-wah. Es también, para mi, uno de los temas más infravalorados del disco. Diría que es casi bailable. ¡Esuchen esas melodías y esos pequeños solos entre estrofas! Otra cosa fascinante es el riff final, cuando todos los instrumentos se abalanzan como si de un terremoto se tratara. ¡Así me gusta Aquelarre!

  Algo que olvidé destacar de los músicos es la voz de Emilio: amo como canta. Su voz me resulta muy natural y errante, con un tono perfecto para interpretar canciones al estilo rockero-blusero de Movimiento o para sonar pacífico, como en Cantemos tu nombre.

  No hay ninguna letra demasiado destacable en el disco. La mejor me parece la de Cantemos tu nombre, con todas esas referencias a la naturaleza y a la paz, pero tampoco se destaca del todo.

     

The bends (1995) - Radiohead

Puntuación: 9

Mejor tema: Street spirit (fade out)

Tracklist
01. Planet telex
02. The bends
03. High and dry
04. Fake plastic trees
05. Bones
06. (Nice dream)
07. Just
08. My iron lung
09. Bullet proof... I wish I was
10. Black star
11. Sulk
12. Street spirit (fade out)

Ahora si empieza lo bueno. Es que Pablo Honey daba la idea de que Radiohead sería una moda más, una banda que tuvo un hit como tantas otras y luego se perdería en la neblina. Y en realidad, es lo que pasó. Este disco no tuvo tanta repercusión como el primero, y fue vilmente ignorado tanto por la gente como por la crítica, que por entonces estaba bastante interesada en el duelo Blur-Oasis como para volver a mirar hacia Thom Yorke y cia. Sería recién en Ok Computer que alcanzarían el merecido prestigio y reconocimiento de la crítica. Pero en el medio quedaba este disco, que recién se empezó a valorar después del Ok Computer. Y esto es muy injusto. No es que hayan cambiado tanto el estilo (esto ni se acerca a la grandeza de Ok Computer), pero mientras en Pablo Honey había muy pocas canciones realmente buenas (y que de todas maneras no eran tan buenas como las de The Bends), aquí casi todos los temas son clásicos. El estilo es ciertamente poco original, y es por eso que no le doy una nota más alta, además de que no es muy variado (son sólo rocks o baladas) y se puede poner un poco aburrido por su indiscutible monotonía, pero la calidad de composición es tan alta, que alcanza tranquilamente el 9 (de hecho, podría ser el mejor disco de canciones que haya hecho Radiohead). Letrísticamente, se empieza a notar una madurez. Todavía las letras son muy "adolescentes", más bien de carácter personal que la reflexión social de Ok Computer. Pero ya se empieza a notar en Thom ese personaje depresivo, aislado y rechazado por la sociedad que luego evolucionaría con el paso del tiempo. En fin, un álbum de rock noventero, poco original y no muy variado, pero con una calidad compositiva brillante, excelsa e increíble. El primer clásico de Radiohead.
Este discazo empieza con Planet Telex, un tema que cumple muy bien su rol de introducción, con un piano muy atmosférico y profundo que te mete de lleno en el disco, y un destacado estribillo, con una letra muy resignada y pesimista. Luego viene The Bends, un fenomenal rock con un riff mastodóntico y gigante, un estribillo sensacional y una parte rapeada del medio muy divertida. Su letra expresa la falta de amistad de Thom, aunque para mí la visión es todavía algo juvenil. De los temas más rockeros del disco, un merecido highlight. Luego vienen dos baladas típicas pero infinitamente conmovedoras que son verdaderos clásicos de los 90. La primera es High And Dry, una balada hermosa con un distintivo tambor introductorio, un riff muy bello y esa voz! Qué hermosa que es la voz de Thom! Cuando la escuchás con auriculares y sentís esa voz desde adentro de tu cabeza, te podés morir tranquilo. Pero lo verdaderamente sensacional de esta canción es el estribillo, un estribillo tan hermoso, tan inspirador, tan melodioso, tan brillante! Además, cuenta con un requinto genial que siempre me sonó algo fúnebre. Su letra es también magnífica. Thom canta con una furia inusitada sobre uno de esos típicos tipos que creen que se las saben todas, que con motos y aislando a la gente se van a ganar su aprecio, cuando lo que todos quieren es "spit at him". La parte de "All your inside fall to pieces, you just sit there wishing you could still make love" es realmente sarcástica y genial. Realmente este tema se merece un 10. Luego llega otra balada genial como Fake Plastic Trees, que comienza como una tímida balada de guitarra con una melodía atípica y preciosa, para después ir subiendo la tensión hasta explotar en ese final grandioso con baterías, guitarras y un órgano indescriptible que le agrega una filosidad realmente increíble para luego callarse y volver a la guitarra acústica inicial. Nuevamente la melodía es bellísima, con ese distintivo falsete de Thom tan lindo. La letra también es muy buena, hablando de la frivolidad reinante en este mundo de plástico.Bones es un buen rock con un gran riff de una nota muy punzante y un estribillo de gran calidad, aunque esta vez peca del abuso de las guitarras distorsionadas y la melodía de las estrofas no es muy buena, pero igualmente es un buen tema. La línea de "I used to fly like Peter Pan, children flew when I touched their hands" es particularmente inspiradora. Luego llega uno de mis temas favoritos,Nice Dream, que empieza como una tierna balada muy inocente sobre los sueños nocturnos con una melodía excelente, la voz de Thom muy pacífica y bella y una cálida guitarra acústica con brillantes punteos eléctricos. Pero después de la repetición del estribillo (con esos contrapuntos increíblemente cautivantes de "If you think that you're strong enough) y después del apacible sueño, llega la pesadilla: un riff grandioso, demoledor y sanguinario que se repite cortante como un cuchillo con una agresividad pasmosa. Luego todo se calla y vuelve el sueño, la ternura de la balada inicial con una voz susurrante y hermosa de Thom. Brillante. Just es otro rocker, algo influenciado por Nirvana, con un esta vez genial uso de las guitarras distorsionadas y otro riff brillante, punteos sobrecogedores y un estribillo perfecto con las notas chillonas de guitarra copiando la voz de Thom, con un solo extraño y muy divertido, y un falso final muy bueno. My Iron Lung continúa esta fase rockera del álbum con el que tal vez sea el mejor riff de Radiohead: un riff tranquilo pero a la vez cruel que da paso a la canción, una balada con una gran melodía pero que en vez de estribillo cuenta con una genial sección rockera con guitarras ruidosas con el volumen al máximo que simplemente destruyen los parlantes, en el que tal vez sea el momento más rockero de todo Radiohead (quizás junto con 2+2=5). La letra es algo rara, al principio parece de amor, pero luego vira hacia la situación de la banda, encasillada por "Creep", en esa línea de "This is our new song, just like the last one, a total waste of time". Luego el disco baja de calidad con tres temas que se podrían catalogar como relleno, aunque los tres son buenos. Bullet Proof...I Wish I Was es una balada acústica muy atmosférica que suena relajante y apacible con un gran estribillo, con una gran letra sobre la idea de Thom de que a veces desearía no ser tan sensible. Black Star empieza con un muy buen arpegio que da paso a la canción, una balada bonita con una gran actuación de Thom y un estribillo majestuoso. Sulk, por su parte, podría ser la peor del disco, pero sin embargo es buena. Todavía tiene algunas reminiscencias a Pablo Honey, pero cuenta con un riff destacado y una melodía muy letárgica El estribillo busca majestuosidad, y si bien lo logra en parte, también se vuelve muy obvio. Además, está atravesada por una especie de aleteo de pájaros muy raro. Disfrutable, diría yo. Pero para el final reservaron lo mejor: la épica, majestuosa, colosal Street Spirit (Fade Out). Esto ya suena a Ok Computer. Comienza con un riff descendente brillante y épico, que da paso a la melodía realmente absorbente y cósmica de la canción, con un estribillo sobrecogedor. Lo mejor de la canción es cuando gana en intensidad y hace su majestuosa entrada la batería. La letra es increíble, con imágenes demoledoras sobre la soledad, sobre cómo a un tipo se le derrumba todo a su alrededor y sabe que no puede hacer nada para impedirlo. Veamos lo que tiene Thom para decirnos: "Street Spirit es nuestra canción más pura, pero yo no la escribí... se escribió a sí misma. Nosotros sólo fuimos sus mensajeros, sus catalizadores biológicos. Su núcleo es un gran misterio para mí y... (pausa) ¿sabés?, yo nunca trataría de escribir algo tan desesperanzado. Nuestras canciones más tristes en algún lugar tienen al menos un tenue asomo de resolución. Street Spirit no tiene resolución, es el túnel oscuro sin luz al final. Representa toda emoción trágica que sea tan nociva que sólo el sonido de esa la melodía pueda definirla. Todos tenemos una forma de tratar con esa canción. Se llama desapego1. Especialmente para mí. Yo aparto mi radar emocional de esa canción, sino no podría tocarla... me quebraría. Me desmoronaría en el escenario. Por eso es que la letra es sólo un montón de mini-historias o imágenes visuales, en vez de a una explicación cohesiva de su significado. Puse imágenes en la música pensando que transportarían el todo emocional de la letra y la música funcionando juntas. Eso es lo que quise decir con "todas esas cosas son una sola para engullir entera". Quise significar la totalidad emocional, porque yo no la tenía en mí para articular la emoción... (pausa) me quebraría. Nuestros fans son mucho más valientes que yo al dejar que esa canción los penetre, o tal vez no se den cuenta de lo que están escuchando. No se dan cuenta que Street Spirit habla de mirar al puto diablo directamente a los ojos. Y saber, no importa qué mierda hagas, que él va a reirse último... y es real, y es verdad. El diablo realmente va a reir último en todos los casos sin excepción, y si me permito pensar demasiado en ello podría quebrarme. No puedo creer que tengamos fans que puedan manejar emocionalmente la canción. Por eso estoy convencido de que no saben de qué se trata. Por eso la tocamos hacia el final de nuestros conciertos. Me drena, y me sacude, y me duele como la mierda cada vez que la toco, mirando a miles de personas aclamando y sonriendo, inconscientes de la tragedia de su significado, como cuando vas a sacrificar a tu perro y él va meneando la cola en el camino. A eso se parecen todos ellos, y me rompe el corazón. Ojalá que esa canción no nos hubiera elegido como sus catalizadores, pero es así y no me hago cargo. Pide demasiado. (pausa muy larga). Yo no escribí esa canción." Yo antes creía que el final de "Immerse your soul in love" era esperanzador, pero después de leer esta cita, la verdad no sé quépensar. Quizás sea una especie de alusión a que no importa lo que pase, siempre vamos a morir, como Thom dice, el diablo siempre va a triunfar, y es preferible que vivamos en el amor antes que vivir en el odio. También puede tomarse no como "Sumerge tu alma en el amor" sino como "Sumerge tu alma enamorada", siendo como una ironía sobre que nuestras almas, tan adolescentes y felices, van a terminar derrumbándose. En fin, el mensaje de la canción no está muy claro en ese punto, pero las imágenes que logra crear son apocalípticas. ¿Hay algo más escalofriante que ese "I can feel death, can see it's beady eyes"? ¿Y qué tal ese "Be a world child, form a circle, before we all go under", aludiendo a que nos podremos unir, querer como humanos, pero en algún momento vamos a caer"? Esta anción tiene "algo" intangible, que no se puede ver pero que se siente. Una sensación de tristeza, de dolor que transcurre por tus venas y que se va apoderando de tu ser, constituyendo una de las canciones más trágicas que jamás haya escuchado. Te sumerge en una especie de trance, ese arpegio fenomenal seguido de esa maravillosa letra logran sumergirte en el mundo derrumbándose. El videoclip del tema también es muy bueno, con un gran trabajo fotográfico y personas que van a cámara lenta al mismo tiempo que otras van rápido, en fin, una verdadera hipnosis muy bien lograda. Un gran clásico, de las mejores canciones de Radiohead y, por qué no, de la historia. Poner la emoción que transmite esta canción en unas pocas líneas sería demasiado para mí.
Bueno, no hay mucho más para decir, un disco no muy original pero con canciones realmente geniales. Un 9-.